Мать и дитя и красное кресло

Рассказчик: директор Института искусств Дуглас Друик.

ДУГЛАС ДРУИК: Эта картина с матерью и ее ребенком на пляже была написана Пабло Пикассо в 1921 году, в том же году, когда его первого сына родила его жена Ольга Хохлова, которая была танцовщицей в Русском балете.

Рассказчик: После катастрофических событий Первой мировой войны многие художники, включая Пикассо, смотрели на классические источники в их поиске и целостности.

ДУГЛАС ДРУИК: Мы знаем, что Пикассо едет в Рим в 1917 году и очень глубоко затронут римской скульптурой, которую он видит, находясь в городе. Этот классический словарь входит в его работу, и он полностью выражен в этой картине 1921 года, в которой вы видите эту великую монументальную фигуру женщины с ребенком на коленях. Каждый думает с точки зрения объемов важной античной скульптуры, которые имеют это чувство веса и монументальности и, действительно, безмятежности. Пикассо увлекает то, что он может одновременно исследовать разные стили.

Рассказчик: Повернись, чтобы посмотреть на фигуру в красном кресле через галерею. На этой картине, сделанной через десять лет после того, как мать и ребенок изображают Марию Терезу Вальтер, с которой Пикассо недавно вступил в контакт.

ДУГЛАС ДРУЙК: Это первая картина, на которой Пикассо использовал то, что станет фирменной иконографией. Он рисует фигуру лицом к лицу и в профиль и соединяет их вместе, как он это делает в этом портрете Марии Терезии. Картина не только изобретательная, формально, изобразительная, но и очень изобретательная с точки зрения материалов, которые использовал Пикассо.

Белое Распятие

Рассказчик: Куратор Стефани Д'Алессандро.

СТЕФАНИ Д'АЛЕССАНДРО: Марк Шагал - художник, о котором мы обычно думаем с этими очень красивыми, лирическими, похожими на сон картинами, часто с мужчинами и женщинами и животными, плавающими в космосе, очень радостными изображениями. Тем не менее, в 1930-х годах он начал уделять больше внимания политической и социальной ситуации, которая происходила в Европе, и в особенности преследованиям евреев.

Рассказчик: В этой картине, сделанной в 1938 году, Шагал фокусируется на одном из самых резонансных гонений в западной культуре - распятии Христа. Радикально он подчеркивает еврейскую идентичность Христа, связывая его страдания с страданиями современного еврейского народа. Набедренная повязка Христа - это еврейский молитвенный платок, библейские патриархи и матриарх, плавающие над ним вместо ангелов.

СТЕФАНИ Д'АЛЕССАНДРО: На снимке несколько небольших сцен, в которых рассказывается о некоторых недавних событиях, произошедших в Европе примерно в это время, включая Хрустальную ночь, которая была девятого ноября 1938 года, когда в Германии были разграблены еврейские синагоги. и сгорел. Несмотря на то, что эта картина не такая красочная, как типичные изображения Шагала, на самом деле в этой картине очень красивое качество света. Существует черно-белый контраст, который Шагал использовал, чтобы вызвать чувство эфирности и спиритизма даже в картине, которая имеет такие печальные образы.

Рассказчик: В 1937 году Шагал написал автобиографическое стихотворение, которое отражает многие из изображений, увиденных на этой картине.

Стеки пшеницы (конец дня, осень) (тур по основам)

Рассказчик:
В 1890 году Клод Моне начал рисовать эту серию стеков пшеницы в любое время года и в разное время суток.

В 1890 году он написал другу:

ACTOR (CLAUDE MONET):
Я работаю над серией различных эффектов (стеков), но в это время года солнце садится так быстро, что я не успеваю за ним. ... но чем дальше, тем лучше я вижу, что для достижения успеха требуется огромная работа ... то, что я хочу передать: "мгновенность", прежде всего ... один и тот же свет, рассеянный по всему ...

Рассказчик:
К этому времени Моне жил в маленькой деревне Живерни, к северо-западу от Парижа. Он мог видеть эти поля за своей задней дверью. Прошли те сцены повседневной городской жизни, которые когда-то пленили его и его сверстников-импрессионистов. Глория Грум, Дэвид и Мэри Уинтон Грин Куратор и Кафедра европейской живописи и скульптуры.

GLORIA GROOM:
Вы видите, как он уходит не только из Парижа в предмете, но и в том, как он рисует, и в тех цветах, которые он использует, что в некотором смысле очень не естественно. Они переходят в другой ключ, который основан на том, что он чувствует, а не на том, что он видит.

Я думаю, что когда вы смотрите на эти картины, вы видите что-то за пределами импрессионизма во многих отношениях, потому что это больше не касается современной жизни. Так что больше нет ощущения места таким же образом. Это ощущение места воссоздано в сознании художника. Он берет на себя тему, которая настолько банальна и настолько анти-живописна, особенно в то время, когда она была нарисована.

Но это скорее совсем другой подход к созданию снимков. И делать то, чего не делал ни один другой художник. Так что вместо того, чтобы рисовать одноразовое, а затем рисовать второе, он рисует группу, которую он считает ансамблем. И один критик говорит о них, и он говорит: вы не понимаете их, кроме как в сравнении друг с другом.

Рассказчик:
На этом этапе вы можете продолжить тур «Основные моменты», вернувшись назад к Большой лестнице, чтобы найти Галерею 211. Или вы можете пойти вниз по лестнице к окнам Америки.