Якщо вас самих в дитинстві проти вашої волі віддали вчитися в музичну школу , То напевно ви згадуєте про цей час зі здриганням, але шкодуєте, що так і не навчилися. І, швидше за все, хочете зробити те ж саме і зі своєю дитиною. Однак останнім, що ви хочете бачити - це пісне обличчя чада, усіма способами намагається прикинутися хворим і не йти на заняття або ухилятися від домашніх репетицій. Напевно вам хочеться, щоб дитина насолоджувався процесом і розвивався - і неважливо, стане він великим музикантом чи ні. Існує кілька основних методик з навчання дітей музиці. Якщо ви вибираєте вчителя , Обов'язково поцікавтеся, чи знайомий потенційний наставник вашої дитини з цими методиками, і будь з них він дотримується у своїй роботі:

1. МЕТОД Шінічі Судзукі

Одна з найвідоміших і поширених по світу методик. Доктор Судзукі був відомий тим, що вчив дітей виконувати музику з самого раннього віку. Світ був вражений його ансамблями, що складаються з сотень 4-5-річних скрипалів, які виконують музику Моцарта, Вівальді, Бетховена та інших. У чому полягають основні положення майстра?

А) Всі діти музичні. Втім, це поширена думка серед авторів систем музичної освіти. Всі діти розуміють і відчувають музику, без винятку. Завдання батьків - вчасно розпізнати прояв інтересу і розвинути його на практиці.

Б) Обов'язкова умова для вчителя - щира любов до дітей. Доктор Судзукі був упевнений, що неможливо досягти успіху в музичному (як і в будь-якому іншому) вихованні, якщо воно не побудовано на любові до дітей. Можна бути строгими і вимогливими, але треба любити учня. Прикидатися і грати в любов неможливо. Діти тонко відчувають фальш і заняття, побудовані нема на любові до дитини, приречені на провал.

В) Головні вчителі - батьки. Тому що ніхто так, як батьки, не любить своїх дітей. Тати та мами ставали для учнів Судзукі головними помічниками, а часом і головними вчителями. Вони були присутні на заняттях. Вони займалися вдома з дітьми. Вони самі вчилися грати на скрипці разом з дітьми.

Одного разу лікар Судзукі відвідав інкубатор, де вирощувалися японські жайворонки. У величезному тихому приміщенні зберігалися сотні яєць, а поруч з ними знаходилася птиця-учитель, яка співала свої пісні. Тільки вилупившись, пташенята починали повторювати ту ж саму пісню, а через якийсь час розвивали свою власну манеру. Майстри вразив той факт, що крихітний мозок птиці здатний моментально копіювати звуки, і в такий короткий час знаходити власну інтонацію. Це наштовхнуло його на думку про те, що більш розвинений людський мозок може набагато більше. Коли його приятель попросив навчити свою трирічну дитину грати на скрипці, Судзукі відмовився через те, що дитина фізично занадто малий для гри на інструменті. Але через деякий час він почав майструвати маленькі скрипки спеціально для малюків і давати їм уроки. Діти, копіюючи його рухи, дуже швидко вчилися грати і опановували майстерністю до п'ятирічного віку.

Мета музичних занять з малюками визначав сам учитель так: "Моя завдання не виховати музиканта, а через музику виховати доброго, благородного людини".

2. СИСТЕМА Карла Орфа

Німецький композитор Карл Орф придумав систему музичного виховання, яка, розрахована не на обраних, які не на що мають спеціальну музичну підготовку, а на всіх дітей. Її суть - у розвитку творчої фантазії, в елементарному музикуванні. У грі на найпростіших, в основному, ударних, шумових музичних інструментах. У русі під музику. В інсценуванні дитячих пісеньок і казок. Тобто в тому, що діти особливо люблять і роблять із задоволенням. Тим більше, що такі танці і рух супроводжуються не тільки грою на ударних музичних інструментах (барабанах, ложках, ксилофоні тощо), але і "звучать жестами" - ударами, ляпасами по стегнах, тупанням ногами, клацанням пальцями, цоканням мовою та ін.

Все це не тільки перетворює музикування в радісне, цікаве дію, але і формує творчу фантазію, прищеплює любов до співу, розвиває почуття ритму.

Метод Орфа отримав назву Шульверк - це концепція, особливий погляд на музичну освіту дітей, засноване на колективному музикуванні. Шульверк (Schulwerk) - поєднання двох слів - Schule (школа) і Werk (робота, вміння щось робити майстерно). Дія - основа музичного виховання за Карлом Орфу. У своїй збірці Орф зібрав фольклорні твори того часу, коли музика, мова і рух були нерозривні. Він мріяв повернути педагогів до гармонійного синтезу мови і руху як до витоків музики, її першооснов. При цьому, Орф хотів дати поштовх фантазії педагога, щоб той в свою чергу показав малюкам, що таке імпровізація, як можна ставитися до музики творчо. Переосмислювати її заново.

Система розрахована на участь кількох дітей, але, проявивши деяку фантазію, цілком можна застосовувати її елементи і в заняттях з однією дитиною вдома. Згадаймо пісню "Добрий жук" ( "... Встаньте діти, встаньте в коло"):

Що потрібно робити?

Придумати разом (підкреслюємо - разом) з дитиною танцювальні рухи. Наприклад: крок в сторону - притупування. Крок в іншу сторону - притупування. На приспіві ляскання в долоні. Рухи, що імітують жука. Наприклад, ви стрибаєте, згорбившись, на зігнутих ногах, з піднятими як роги пальцями.

Супроводжувати танець і спів грою на будь-яких шумових інструментах і (або) деякими "звучать жестами", про які ми вже говорили.

Обіграти сюжет. Наприклад, на слова "встаньте в коло" рухатися по колу.

Тати та мами (бабусі, дідусі) теж можуть "впадати в дитинство", що іноді буває приємно, - танцюють і співають разом з дитиною.

3. СИСТЕМА Золтан Кодая

Угорський композитор, як і Д. Кабалевський, велике значення надавав музичного виховання дітей. Ось кілька основних положень його системи.

Як і Судзукі, Кодай стверджував: немає немузичних дітей. Немузичні дорослі - це ті, музикальність яких в дитинстві не була помічена і розвинена. Тому Кодаї, який користувався в Угорщині великим авторитетом, зумів домогтися того, чого ніколи не було в жодній країні світу - уроки музики в звичайній, загальноосвітній школі стали щоденними і займали більше годин, ніж всі інші предмети.

Головне в музичному вихованні - спів і записування мелодії по слуху. Саме цьому, в основному, вчили в угорській школі. Кращий і найдоступніший інструмент - голос, вважав Кодаї. Тому спів важливіше, ніж гра на інструменті.

Виховання людини не може бути повним без музичного виховання. Виховання гарного музичного смаку, по Кодаї, не тільки сімейну справу, але найважливіша суспільно-державне завдання.

Як метод раннього музичного виховання Золтан Коду пропонував вихователям, особливо татам і мамам, вчити дітей ходити і плескати в ритмі пісні.

Золтан Кодай виділяв чотири елементи, які відрізняють музичного людини від немузичного: розвинений слух, розвинений інтелект, розвинені почуття і розвинені руки.

Численні дослідження підтверджують, що метод Кодали, які застосовують в різних країнах світу вже більше 30 років, розвиває почуття ритму, закладає основи музичної грамотності, навичок читання і рахунки.

Ось кілька порад Кодали, як співати з дітьми молодше п'яти років:

- Співайте без акомпанементу;

- Вибирайте короткі пісеньки з рухами;

- Повторюйте пісні - діти обожнюють повтори;

- Змінюйте темп;

- Завжди хваліть дітей;

- Вивчіть тридцять пісеньок: слова ви повинні знати дуже добре, так як ваша впевненість передається дітям.

4. СИСТЕМА Еміль Жак-Далькроз

Еміль Жак-Далькроз - швейцарський педагог, композитор, громадський діяч, творець системи музичного ритмічного виховання. Займаючись в Женевській консерваторії зі студентами, Далькроз звернув увагу на те, що далеко не всі можуть точно координувати рухи при грі на музичному інструменті.

Розуміючи, що ритм пов'язаний з моторикою, він почав вводити на уроках сольфеджіо різні ритмічні вправи. Так поступово їм була створена система ритмічної гімнастики, яка згодом стала називатися ритмікою. На відміну від звичайної гімнастики, підпорядкованої лише метру, в ритмічної гімнастики Далькроза всі рухи йшли від музики. З ускладненням ритмічних завдань виявлялася і виховна роль уроків ритміки. Вони розвивали у студентів увагу, зосередженість, зміцнювали волю, прагнення досягти поставленої мети, виробляли злагодженість дій всього колективу. Заняття ритмікою позитивно впливали також на загальний тонус учнів, знижуючи стомлюваність.

Свій метод ритмічного виховання Далькроз виклав в ряді статей і книг. У 1910 році він очолив Інститут музики і ритму в Хеллерау (під Дрезденом, а в 1915 році - Інститут Жак-Далькроза в Женеві. Незабаром подібні навчальні заклади були створені послідовниками швейцарського педагога в багатьох країнах Західної Європи, в Америці, Японії.

У Росії ритмічна гімнастика також була сприйнята з ентузіазмом. Ритмічна гімнастика викладалася в самих різних навчальних закладах - балетній школі Преображенської-Москальовою і Жіночому медичному інституті, на Вищих Бестужевських курсах і акторських курсах С. Ф. Халютіной, в музичних школах, в приватних будинках і т. П. - причому заняття вели випускники інституту в Хеллерау, які отримали авторську методику «з перших рук».

Пізніше ритмікою стали займатися актори театрів Е. Б. Вахтангова, В. Е. Мейєрхольда, А. Я. Таїрова, оперної студії К. С. Станіславського. Викладання велося в більш ніж сімдесяти педагогічних закладах - дитячих садах, школах, середніх і вищих музичних, балетних і театральних навчальних закладах.

У 60 - 70-ті роки активно розроблялися положення терапевтичної ритміки (для людей, які страждають нервовими розладами, мовними дефектами, особливо логопедическое напрямок. Курс «Терапевтична ритміка» існував в Педагогічному інституті імені Леніна (кафедра дефектології).

З відходом майстра і його учнів ритміка набуває іншого змісту, форму і методи роботи. Ритмист, по-своєму заломлює принципи навчання Е. Жак-Далькроза, створюють власні методики. Але зерно його відкриття зберігає свою безперечну цінність і донині.

5. МЕТОД ХЕЛЕН Хайнер

І трохи про більш новий метод, в деяких випадках суперечить трьом першим методикам. Хелен Хайнер (Олена Ніколаєва) закінчила московську консерваторію по класу фортепіано, пізніше переїхала в США, де вже близько 30 років працює в музичній школі і дає приватні уроки. Вона написала книгу під назвою "Стати музикантом? Легко!", В якій ділиться своїм досвідом музичного виховання. Досвідом, в якому, безумовно, присутні деякі оригінальні моменти. В тому числі, і ті, які можуть зацікавити тат і мам.

Основне положення: виховати хорошого слухача музики важливіше, ніж виховати музиканта. Багато що залежить від того, які цілі ставити перед собою вчитель. Хайнер вважає, що не варто спеціально ставити перед учнем професійні завдання. Не варто з усіх сил (як це прийнято в російських музичних школах) намагатися підняти дитини на професійний рівень.

Кращий спосіб музичного розвитку дитини - навчання на фортепіано. Чи не слухання музики, не гарчання, а навчання грі на фортепіано. Причому, фортепіано, (НЕ скрипка, чи не блок флейта, що не шумові інструменти К. Орфа), на думку Хелен, підходить для цієї мети краще всього. Іншими словами, кращі уроки музики - заняття на фортепіано. Все інше (гра в оркестрі, спів в хорі) малопродуктивно і тому не потрібно. Звідси висновок: на фортепіано треба вчити всіх дітей. Причому Хелен вважає за краще для навчання електронне фортепіано. На ньому можна грати різними голосами, що цікаво учневі. На ньому можна записати і прослухати гру дитини. Що теж важливо.

Вчити, строго дотримуючись правило: від простого до складного. Цей дидактичний принцип, на думку Хайнер, повинен лежати в основі навчання грі на інструменті. Головне для вчителя - знайти той поступовий шлях (НЕ перестрибуючи через сходинки), за яким дитина зможе повільно, але вірно підніматися нагору. В цьому і полягає, на думку американської вчительки, його мистецтво. Все надмірно складне неминуче викличе у маленького учня негативний ставлення до занять.